Come dirigere un film (con immagini)

2024 Autore: Robert Blare | [email protected]. Ultima modifica: 2023-12-17 07:47

Fare un film può essere qualcosa che stai facendo per divertirti con gli amici o come qualcosa su cui sei completamente serio. Ad ogni modo, è un processo che richiede un po' di tempo, tra la scelta di una sceneggiatura, il casting dei tuoi attori e le riprese del film vero e proprio, ma una volta che hai le basi, sarai a posto. Vedi il passaggio 1 per iniziare con il processo di regia.

Passi

Parte 1 di 4: Preparazione per le riprese

Passaggio 1. Scegli uno script

Una buona sceneggiatura può far sembrare buono anche un regista mediocre, quindi scegli con saggezza. Puoi anche scrivere tu stesso una sceneggiatura, se è qualcosa che ti piace e in cui sei bravo. Quando scrivi o scegli uno script, ci sono alcune cose a cui prestare attenzione che possono aiutarti a scegliere il miglior script possibile.

La struttura è la chiave per una buona storia. La struttura in tre atti è un dispositivo comunemente usato dagli sceneggiatori per inventare una buona storia. Funziona così: preparazione (Atto 1), confronto (Atto 2), risoluzione (Atto 3). I punti di svolta chiave si verificano alla fine dell'Atto 1 e dell'Atto 2.
Una buona sceneggiatura mostra piuttosto che racconta. Vuoi che il tuo pubblico indovini cosa sta succedendo in base al linguaggio del corpo degli attori, cosa indossano, cosa fanno e come dicono le battute. Le sceneggiature sono, per natura, estremamente visive.
Ogni scena deve essere preceduta da una linea di slug, che indica se la scena è interna o esterna, se è giorno o notte e dove si trova. (Ad esempio: INTERNO SOGGIORNO -- NOTTE.)
Quando descrivi l'azione, tutto ciò che descrivi è l'effettivo, fattuale di ciò che verrà visto sullo schermo. Ad esempio, invece di dire "John entra in soggiorno. È arrabbiato perché la sua ragazza lo ha lasciato", diresti "John entra in soggiorno. Sbatte la porta dietro di sé e prende a calci il divano".

Passaggio 2. Storyboard per la sceneggiatura

Lo storyboard è incredibilmente importante in modo che tu sappia come dirigere al meglio ogni scena, quali angoli di ripresa vuoi, come vuoi che sia. Non devi attenerti allo storyboard mentre stai girando, ma ti darà un punto di partenza.

Le cose che tratterai sono: quali personaggi sono in ogni fotogramma, quanto tempo è trascorso tra il fotogramma corrente e il fotogramma precedente, dove si trova la telecamera nel fotogramma (come appare lo scatto).
Il tuo storyboard non deve essere perfetto. Deve semplicemente darti un'idea della sceneggiatura e di come dovrebbe essere girata la sceneggiatura.
Decidi il tono del tuo film. Un film crudo su un detective privato negli anni '20 avrà un aspetto molto diverso da una commedia spensierata sui pericoli della genitorialità. Un ottimo modo per far fallire il tuo film è cambiare il tono a metà, in modo che la commedia spensierata diventi improvvisamente una tragedia senza preavviso. Questo non significa che una commedia non possa avere elementi di tragedia, o viceversa, ma il tuo film, specialmente se sei nuovo alla regia, dovrebbe attenersi a un tono.

Passaggio 3. Ottieni finanziamenti per il tuo film

Non puoi fare un film senza un qualche tipo di finanziamento, soprattutto se vuoi che sia un film che persone diverse dalla tua famiglia guardano. L'attrezzatura per le riprese costa denaro, avrai bisogno di oggetti di scena, luoghi, attori e tecnici. La maggior parte di queste cose costa denaro.

Se stai seguendo la strada del cinema indipendente, dovresti comunque provare a trovare un produttore per il tuo film, qualcuno che trovi i finanziamenti e ti trovi le location per le riprese

Passaggio 4. Cast attori per ogni ruolo

Se hai pochi fondi, probabilmente dovrai fare il casting da solo, ma per il resto è una buona idea assumere un direttore del casting per fare quel lavoro. Di solito un direttore del casting ha accesso a più strade in cui trovare gli attori appropriati per il tuo film.

Vuoi che le persone che sono state in altri film capiscano come funziona. Gli attori di teatro non sono eccezionali per questo, poiché recitare in un teatro e recitare per un film è incredibilmente diverso.
Ci sono attori promettenti e promettenti che non sono troppo costosi. Quello che cerchi è carisma e talento. Questo di solito significa non solo scegliere i tuoi amici per i ruoli (a meno che tu non stia dirigendo un film solo per divertimento, nel qual caso, fallo).

Passaggio 5. Trova le posizioni, gli oggetti di scena e i materiali

I film richiedono luoghi (una camera da letto, un soggiorno, un angolo di strada, un giardino, ecc.) in cui girare. A volte puoi girare in questi luoghi gratuitamente e a volte devi pagare. Allo stesso modo, avrai bisogno di oggetti di scena, costumi, trucco e materiali per le riprese (microfono, macchine fotografiche, ecc.).

Se hai un produttore, questo è quello che faranno. Assicurati di avere tutto ciò di cui hai bisogno e il permesso di filmare in determinate località. Altrimenti, dovrai farlo da solo.
Se hai un budget davvero basso, parla con amici e familiari. Forse conosci qualcuno che è bravo a truccarsi per truccarti, o forse tua zia ha un mucchio di vestiti d'epoca in soffitta.

Passaggio 6. Pianifica in modo appropriato

Se non hai una visione chiara e un piano per come filmare, come sarà, sarà un processo di ripresa difficile. Devi avere le specifiche stabilite e devi conoscere tutte le cose da fare che rendono un processo di ripresa di successo.

Crea una lista di colpi. Questo è fondamentalmente un elenco numerato di tutte le inquadrature del film che descrive l'inquadratura, la lunghezza focale, il movimento della fotocamera e le cose che devi tenere a mente (come possibili problemi di ripresa). Puoi anche raddoppiarlo con lo storyboard, qualunque cosa funzioni meglio per te.
Crea una suddivisione dello script. Questo è fondamentalmente il processo in cui identifichi ogni singolo elemento necessario per girare il film, inclusi location, oggetti di scena, eventuali effetti, ecc. Ancora una volta, sarà più facile se hai un produttore che ti aiuti con questo.
Tech scout con tutti i tuoi tecnici. Ciò significa andare nelle location dei film e rivedere ogni singola ripresa con il personale tecnico in modo che tutti sappiano esattamente cosa aspettarsi per ogni ripresa. Puoi discutere dei problemi che potrebbero sorgere (cose come illuminazione specifica, problemi audio, ecc.).

Passaggio 7. Pianifica gli scatti

Se riesci a ottenere un buon 1° AD (assistente alla regia) lo vorrai. Sono la persona che urla agli attori se necessario e che fa cose del tipo, prende nota di tutte le note durante lo scout tecnico e pianifica tutte le riprese.

Pianificare le riprese significa fondamentalmente impostare il programma per quando le riprese verranno girate. Questo non è quasi mai in ordine cronologico, ma di solito ha più a che fare con l'illuminazione o le impostazioni della telecamera

Parte 2 di 4: Lavorare con gli attori

Passaggio 1. Esercitati con il copione prima di girare

Questo sembra un passaggio molto ovvio, ma è davvero importante. Quando arrivi alla parte effettiva delle riprese, vuoi che gli attori si sentano a proprio agio con le loro battute e il loro blocco.

Inizia facendo scorrere una sceneggiatura, in cui tu e i tuoi attori sedete attorno a un tavolo e attraversate ogni scena. Si sentiranno più a loro agio con le parole, con te e tra di loro, il che renderà la parte delle riprese molto più semplice.
Gli attori davvero talentuosi non hanno necessariamente bisogno di molte prove prima di girare e può essere meglio non provare troppo le scene altamente emotive in modo che siano fresche per le riprese effettive, ma funziona solo con attori esperti e di talento, quindi se stai lavorando con attori dilettanti, fare pratica con la sceneggiatura prima di girare è una buona idea.

Passaggio 2. Assicurati che gli attori abbiano imparato le battute

Un attore non può dare una performance sbalorditiva senza conoscere la sua sceneggiatura avanti e indietro. Non vuoi che si presentino all'improvviso sul set il giorno delle riprese senza aver imparato le battute. Ecco perché le prove sono così importanti.

Passaggio 3. Spiega il sottotesto in ogni scena

Ciò significa ciò che sta accadendo nella scena al di là del semplice dialogo. Dirà anche a un attore quali sono le vere intenzioni del suo personaggio, nella scena e nel film, che determineranno come li dirigerai.

Meno è di più nella recitazione in un film. Quello che vuoi per i tuoi attori è una forte presenza che si mostri anche quando non stanno facendo nulla. Un attore che può attirare gli spettatori nel personaggio senza fare molto.
Ad esempio: John, il nostro protagonista arrabbiato dall'alto, sarà interpretato in modo diverso a seconda che odi la sua ragazza per averlo lasciato, o se sia ancora innamorato di lei (o di entrambi).

Passaggio 4. Sii calmo, concentrato e chiaro

Il cliché del regista arrabbiato e urlante è proprio questo, un cliché. Come regista sei tu il responsabile (se non hai un produttore), il che significa che tutti cercheranno da te per avere una direzione calma e chiara.

Questo è il motivo per cui lo storyboard e la suddivisione della sceneggiatura sono così importanti. Puoi fare riferimento a loro per ogni scena e per mostrare la tua visione a coloro che stanno lavorando per te.
Ricorda che un film viene realizzato in base al contributo di molte persone diverse, anche se il regista e gli attori ottengono la maggior parte del merito. È meglio non comportarsi come se fossi la cosa più importante sul set, quando hai a che fare con il cast e la troupe.
Avrai un'esperienza migliore dirigendo il film se sarai gentile e rispettoso con tutti coloro che ci lavorano.

Passaggio 5. Fornire istruzioni specifiche

Questo è per gli attori. Se hai spiegato il sottotesto ai tuoi attori e la tua visione del film, non dovrebbero esserci troppi problemi se fanno ciò che devono fare nelle loro scene, ma è importante che tu dia istruzioni specifiche, anche quelli come "riprova quella linea più velocemente".

Prendere appunti abbondanti. Sulla tua lista di riprese annota le cose specifiche critiche della fotocamera che vuoi che i tuoi attori facciano. Più chiaro e dettagliato sarai nel tuo feedback e nelle tue richieste, più facile sarà per gli attori e la troupe seguire la tua visione.
Dai un feedback negativo o dettagliato agli attori in privato. Puoi farlo anche quando ci sono altre persone in giro, purché solo l'attore che sta ricevendo il feedback lo ascolti. In questo modo nessuno si vergogna o si offende.
Assicurati di dare un feedback positivo. Agli attori piace sapere che il loro lavoro viene apprezzato e che stanno facendo la cosa giusta. Assicurati di farglielo sapere, anche se è qualcosa di semplice come "Mi è piaciuto molto quello che hai fatto nell'ultima scena; proviamolo quando giriamo la scena".
A volte, se hai un attore davvero bravo, è meglio lasciare che facciano le loro cose senza troppe indicazioni. Anche se potrebbe non andare sempre nella direzione che avevi pianificato, le scene e il film stesso hanno la possibilità di andare in una direzione nuova e fresca.

Parte 3 di 4: girare il film

Passaggio 1. Conoscere i diversi tipi di inquadrature e angoli di ripresa

Quando stai dirigendo, avrai bisogno di conoscere i diversi tipi di inquadrature, angoli di ripresa e movimenti della telecamera in modo da sapere come girare ogni scena e cosa stai cercando di ottenere da ogni scena. Diversi angoli e tipi di riprese cambiano la sensazione di una scena.

Inquadratura (o lunghezza di inquadratura): campo lungo estremo (di solito un'inquadratura stabile, da un quarto di miglio di distanza), campo lungo (questo è un campo "a grandezza naturale" che corrisponde alla distanza tra il pubblico e lo schermo in un cinema; si concentra sui personaggi e sulle immagini di sfondo), piano medio (questo è solitamente usato per scene di dialogo o un primo piano su una certa azione e di solito contiene da 2 a 3 personaggi dalla vita in su), primo piano (questo colpo si concentra su un viso o un oggetto con lo sfondo sfocato, solitamente usato per entrare nella mente di un personaggio), primissimo piano (di solito si concentra su un dettaglio specifico come una bocca o gli occhi, solitamente usato per una sorta di effetto drammatico).
L'angolazione della telecamera definisce la relazione tra la telecamera e tutto ciò che viene ripreso e fornisce informazioni emotive al pubblico sull'oggetto o sul personaggio nella ripresa. Vista a volo d'uccello (mostra una scena dall'alto, mettendo il pubblico in una posizione divina, oltre a rendere irriconoscibili le cose normali), inquadratura dall'alto (questo ha la telecamera sopra l'azione usando una gru e offre una sorta di panoramica di cosa sta succedendo), livello degli occhi (questo è un angolo più neutro con la telecamera che agisce come un altro essere umano che osserva la scena), angolo basso (tende a far sentire al pubblico un senso di impotenza, o confusione e mentre sta guardando un oggetto può ispirare paura o disorientamento), angolo obliquo/inclinato (utilizzato in molti film horror, questa inquadratura ispira un senso di squilibrio, transizione e instabilità).
I movimenti della telecamera fanno sembrare l'azione più lenta rispetto ai tagli rapidi, ma possono anche avere un effetto più "realistico". Panoramica (scansiona una scena orizzontalmente), inclina (scansiona una scena verticalmente), colpi dolly (noti anche come inquadrature di tracciamento/camion, in cui la telecamera segue l'azione su un veicolo in movimento di qualche tipo), scatti a mano (la fotocamera Steadicam fa in modo che gli scatti a mano libera siano meno a scatti, pur infondendo un senso di immediatezza e realismo), scatti con gru (questa è più o meno una carrellata in aria), obiettivi zoom (questo cambia l'ingrandimento dell'immagine, cambiando la posizione del pubblico in modo lento o rapido), ripresa aerea (una ripresa simile alla ripresa con la gru, ma ripresa da un elicottero e solitamente utilizzata come ripresa iniziale all'inizio del film).

Passaggio 2. Entra al momento della chiamata

Questo è fondamentalmente quando l'equipaggio entra per impostare tutto. Se hai un assistente alla regia, non è davvero necessario che tu sia lì, ma è comunque una buona idea mostrarlo. Puoi iniziare a pensare agli scatti della giornata e considerare come eseguirli al meglio e se devi cambiare qualcosa.

Passaggio 3. Prova l'inquadratura

Prima di iniziare le riprese e mentre il tuo team tecnico sta preparando l'attrezzatura, fai scorrere gli attori durante l'inquadratura e scopri cosa faranno in relazione alla telecamera (dove si troveranno, che tipo di scatti che utilizzerai, come diranno le loro battute).

Sperimenta con il mirino per verificare come appariranno i diversi scatti. A questo punto potresti voler cambiare e ridefinire alcune delle tue scene e inquadrature per ottenere la migliore scena possibile

Passaggio 4. Imposta lo scatto

Per ogni ripresa dovrai conoscere la lunghezza focale, il posizionamento della telecamera, i segni degli attori (dove devono stare, ecc.), Quali obiettivi usare e il movimento della telecamera. Imposterai la ripresa, usando tutte queste diverse considerazioni, con il tuo direttore della fotografia.

Ora a seconda del tipo di regista che sei e del tipo di direttore della fotografia che hai (forse sei tu a decidere le inquadrature) dovrai dare più o meno direzione. Discuti con loro l'illuminazione e il lavoro di macchina fino a quando lo scatto non è pronto per essere ripreso

Passaggio 5. Filma la ripresa

Le riprese non richiedono molto tempo e di solito viene girata una scena breve. Corri attraverso la scena, usando il movimento della telecamera, il posizionamento, ecc. Che avevi già coperto con il tuo direttore della fotografia. Quando chiami il taglio sei pronto per passare a guardare la ripresa per vedere come è andata.

Passaggio 6. Rivedere la ripresa

Rivedere subito la ripresa sul monitor video ti consente di considerare come migliorare la scena, quanto la scena si avvicina alla tua idea originale. Quindi ripeterai la scena finché non reggerà al tuo esame.

Questo è molto diverso dal rivedere le riprese in sala di montaggio in un secondo momento. Lì hai il tempo, la chiarezza e la prospettiva per vedere ogni singola cosa che avresti potuto fare per rendere migliore quella scena

Parte 4 di 4: Finendo

Passaggio 1. Modifica il film

Quello che stai cercando di fare a questo punto è mettere insieme i montaggi del film in un modo che sia fluido, fluido e coerente. Come regola generale, vuoi ridurre l'azione, in modo che non ci sia molta non-azione a annoiare il pubblico. Ciò significa che tagli da un'inquadratura all'altra proprio mentre viene eseguita l'azione (come John che apre la porta del soggiorno). Unirai le inquadrature con la prima parte del movimento di John nell'inquadratura ampia e la seconda parte in un'inquadratura più stretta.

Il taglio sul movimento del cross-frame è tipico di uno scatto rivelatore. Ad esempio, inquadratura media su due uomini che parlano, un uomo si muove e rivela un primo piano sul viso del cattivo.
Taglia su una cornice vuota, dove entra il soggetto. Ad esempio, questo è spesso usato con qualcuno che esce da un'auto, dove si vede solo il piede. Il piede si sposta nella cornice vuota.
Ricorda, mentre stai tagliando che ci vogliono circa 2 fotogrammi di film (pari a circa 1/12 di secondo) perché gli occhi del tuo pubblico passino da un lato all'altro dello schermo.
Se non conosci l'editing cinematografico, ci sono un sacco di programmi e risorse di editing gratuiti che puoi trovare online.

Passaggio 2. Eseguire la composizione musicale

Per la tua colonna sonora vorrai assicurarti che funzioni bene con il film. Non c'è niente di peggio di una colonna sonora che non si adatta al tono e all'aspetto di un film. Quando discuti della composizione musicale con il tuo compositore, parla di cose come lo stile della musica, la strumentazione, la velocità della musica, gli spunti musicali, ecc. Un compositore di musica deve conoscere la tua visione del film per creare una colonna sonora appropriata.

Ascolta le tracce demo che ti offre un compositore, in modo da poter tenere traccia di come sta andando a finire e dove devono essere apportate modifiche.
Ora, se stai facendo la musica da solo, devi assicurarti di non rubare musica protetta da copyright per il tuo film, perché potresti metterti nei guai per questo. Molte volte puoi trovare compositori a buon mercato nella tua città. Non sarà di livello professionale (ma probabilmente non lo è nemmeno il tuo film), ma può comunque farlo suonare bene.
C'è una differenza tra colonna sonora e colonna sonora. La colonna sonora è musica registrata in precedenza che si adatta a una scena o sequenza attraverso il contenuto, il ritmo e l'umore. La partitura è musica che accompagna in modo specifico determinate immagini o motivi in un film (come il "tema dello squalo" in Lo squalo).
Se hai un budget limitato, puoi trovare musica royalty-free online da utilizzare nel tuo film.

Passaggio 3. Aggiungi il mixaggio del suono

Ciò significa assicurarsi che la colonna sonora si adatti al film finito e montato. Significa anche entrare e aggiungere suoni che devono essere aggiunti o migliorare i suoni già presenti. È possibile modificare i suoni che non dovrebbero essere presenti (come un aereo in volo) o modificare i suoni che dovrebbero.

Suono diegetico significa che un suono è prodotto da qualcosa che il pubblico può vedere nell'immagine o nell'inquadratura. Anche se questo di solito viene catturato durante le riprese, viene quasi sempre migliorato in seguito, oltre ad aggiungere cose come il suono ambientale (all'aperto) e il tono della stanza (all'interno) per coprire cose come un aereo che va sopra la testa, ma per rendere il rumore di fondo non silenzio assoluto.
Suono non diegetico significa che un suono proviene dall'esterno dell'immagine, come in una voce fuori campo o nella partitura musicale.

Passaggio 4. Mostra il film completato

Ora che hai girato il tuo film, montato e aggiunto tutti i diversi suoni, sei pronto per metterlo in mostra. A volte questo significa riunire alcuni amici e familiari e mostrare il tuo duro lavoro, ma di solito puoi anche trovare altre strade, specialmente se questo è qualcosa che è importante per te.

Molte città e stati hanno festival cinematografici a cui puoi partecipare. A seconda della qualità del film, potrebbe anche vincere, ma almeno un pubblico più ampio di quello della tua famiglia e dei tuoi amici lo vedrà.
Se hai un produttore, di solito è qualcosa su cui hanno lavorato e di solito non avrai il via libera sul tuo progetto se non ci fosse una sorta di distribuzione programmata dopo il suo completamento.

Suggerimenti

Quando correggi gli attori, sii risoluto, ma non ringhioso. Hai bisogno che i tuoi attori ti rispettino.
Prendere lezioni di recitazione è un ottimo modo per i registi di imparare i dettagli dell'essere un attore e renderà molto più facile dirigerli, dal momento che conosci i metodi e la terminologia con cui potrebbero lavorare.
Se sei seriamente intenzionato a fare il regista, dovresti studiare i film che ami per vedere come è stato girato il film e come sono stati diretti gli attori. Dovresti leggere sceneggiature e libri sul cinema come Grammar of Film Language.
Lascia che gli attori diano suggerimenti ma sii risoluto, poiché questa è la tua produzione cinematografica.
Non aver paura di cambiare la sceneggiatura se non ti piace - dopo tutto, è il tuo film. Essere creativo!

Avvertenze

Se i tuoi attori non sono a loro agio con te, non avrai una buona esperienza o un buon film.
Non farai un blockbuster la prima volta che dirigi un film. Se fai sul serio (e non solo per divertirti, il che va benissimo!) dovrai lavorare sodo e probabilmente andare a scuola di cinema.