Creare storyboard è un ottimo modo per mappare il tuo film e creare una visione chiara per ogni scena, ed è davvero facile iniziare! Abbiamo creato una guida per guidarti attraverso tutto ciò che devi sapere per disegnare i tuoi storyboard come un professionista. Dai un'occhiata ai passaggi seguenti per imparare a creare un modello di storyboard, creare scatti interessanti e riempire gli storyboard con disegni, dialoghi e tutte le note importanti che hai.
Passi
Metodo 1 di 3: Storyboarding di una scena
Passaggio 1. Completa la sceneggiatura prima di iniziare con gli storyboard
Se lo script è un modello per il suono di un film, uno storyboard è il modello per il loro aspetto. Gli storyboard sono il modo in cui visualizzi come attori, oggetti di scena, sfondi e angolazioni della telecamera si incastreranno in una particolare scena o sequenza di scatti. È la tua occasione per mappare visivamente il film prima che costose telecamere, attori e troupe siano in attesa sul set.
Detto questo, uno dei compiti di uno storyboarder è prendere la sceneggiatura e migliorarla aggiungendo elementi visivi. Devi conoscere l'intero arco della storia prima di iniziare
Passaggio 2. Disegna i quadrati per ogni scena, lasciando spazio al dialogo sottostante
Una volta che hai scritto la sceneggiatura e hai un'idea di cosa accadrà nel tuo film, procurati della carta o un poster per assemblare lo storyboard. Come un fumetto, ogni quadrato rappresenta un'inquadratura o una scena e lo spazio sottostante è dove inserisci il dialogo, le note o l'azione.
Mentre puoi disegnare le tue tavole, ci sono molti modelli gratuiti online che puoi stampare per iniziare immediatamente a disegnare
Passaggio 3. Stabilire la posizione e tutti gli oggetti importanti nella prima casella della scena
La funzione più importante dello storyboard è mostrare come apparirà lo scatto. Per la tua prima bacheca, vorrai tutti i dettagli essenziali in modo che le persone che la leggono sappiano dove si trovano. Quando ti chiedi cosa includere, poni sempre la domanda: "è essenziale per comprendere la scena?"
- Ogni volta che cambi posizione, devi disegnare un nuovo sfondo. Ricorda, stai raccontando la storia visivamente. Prova a immaginare cosa avresti bisogno di vedere se questo fosse un film.
- Se lo sfondo non cambia tra uno scatto e l'altro, puoi lasciarlo vuoto e concentrarti sull'azione.
Passaggio 4. Utilizzare le frecce e le note per mostrare eventuali movimenti o modifiche
Ad esempio, se vuoi che un personaggio ne prenda a pugni un altro, non è necessario disegnare cinque fotogrammi del suo pugno che si muove lentamente verso una faccia. Invece, disegna un fotogramma del pugno con una freccia che indica il movimento.
Puoi anche utilizzare le frecce per indicare i movimenti della fotocamera, come le panoramiche o le inclinazioni
Passaggio 5. Inserisci il dialogo e i suoni della scena sotto il disegno
Ricorda, stai praticamente realizzando una versione a fumetti del film, quindi dovresti aggiungere anche effetti sonori essenziali. Non preoccuparti se non va tutto bene: stai solo dando dei segnalini al regista e alla troupe su dove il suono è abbinato, quindi i puntini di sospensione ("…") possono aiutare.
Passaggio 6. Crea una nuova cornice per ogni azione significativa o movimento della telecamera
Ogni volta che succede qualcosa, ha bisogno della sua scatola. Se stai elaborando una conversazione, ti consigliamo di passare da un personaggio all'altro mentre parlano, oltre ad alcuni scatti di entrambi contemporaneamente. Devi disegnare ognuno di questi turni individualmente.
Non puoi semplicemente disegnare 1-2 caselle e dire "scatti alternati" per una conversazione. Immagina una scena in cui una madre è arrabbiata con suo figlio per aver rotto una lampada. Mostrare tutto il figlio triste o spaventato è una scena molto diversa dal mostrare la mamma furiosa per tutto il tempo, tagliando avanti e indietro, o mostrando la lampada rotta
Passaggio 7. Inserisci le note essenziali su movimento, suoni o effetti speciali
Se una scena richiede un po' di sangue finto, prendine nota usando una penna rossa o annotandola. Se lo scatto richiede una ripresa lunga e continua, usa le frecce per indicare come scorre tutto insieme. Sebbene ci siano termini appropriati per tutto questo, la cosa più importante è raccontare visivamente la storia come puoi. Se ha senso come guida per le riprese, inseriscilo.
Se la fotocamera non sta tagliando, ma stanno accadendo molte cose, puoi usare più caselle per un "taglio". Ogni volta che succede qualcosa, hai bisogno di una nuova scatola, anche se la telecamera non si muove
Metodo 2 di 3: Migliorare i tuoi storyboard
Passaggio 1. Trova il modo di esprimere visivamente i temi della sceneggiatura
Non lasciare che lo script "parli da solo"; I migliori film sono tematicamente correlati a tutti i livelli: scrittura, storyboard, effetti sonori, recitazione, ecc. È tuo compito prendere una buona sceneggiatura e trasformarla in immagini fantastiche. In ogni scena, chiediti qual è l'obiettivo della scena, qual è l'atmosfera o il tono e quali sono gli oggetti di scena, i personaggi o i momenti più importanti. Come attirare l'attenzione su queste cose?
- Trova l'elemento più cruciale della scena e trova un modo per attirare l'attenzione del pubblico su di esso in ogni inquadratura, ingrandendolo, centrandolo, ingrandendolo, ecc.
- Gene Wilder non era uno storyboarder, ma pensava come un comico visivo. In Willy Wonka, la famosa introduzione in cui "accidentalmente" inciampa, cade e rotola tra un rauco applauso è stata elaborata da lui come un modo per ritrarre Wonka come divertente, strano e nascosto dietro una facciata comica.
Passaggio 2. Evita le composizioni piatte e bidimensionali inclinando sempre la fotocamera
Quello che non vuoi è un pavimento completamente piatto, dove la telecamera è ad angolo retto rispetto al suolo. Inclinare leggermente l'inquadratura conferisce allo storyboard tre dimensioni, anche se si tratta solo di un leggero spostamento. Gli scatti diretti non sono quasi mai così eccitanti come le composizioni 3D dinamiche.
- Usa anche il primo piano e lo sfondo a tuo vantaggio: non mettere ogni personaggio o cosa sulla stessa linea di profondità.
- Non dimenticare nemmeno lo sfondo lontano, lontano: è un buon posto per creare profondità.
- Naturalmente, ci sono molte ragioni per infrangere questa regola, come creare uno scatto perfettamente simmetrico. Sappi solo perché stai infrangendo la regola prima di farlo.
Passaggio 3. Fornisci la motivazione per tagliare la fotocamera invece di cambiare solo l'inquadratura
Di solito questo è ovvio: se parla un altro personaggio, devi tagliare per mostrarlo. Se qualcuno sente un rumore dietro di loro, tagli nella posizione da cui proviene il rumore. Tutti i buoni tagli devono avere una ragione per accadere, che si tratti della trama, dei personaggi, del cambiamento dell'attenzione o di una scelta puramente artistica.
Uno dei tagli più famosi di sempre è del 2001: Odissea nello spazio, in cui il regista Stanley Kubrick taglia da un'arma volante a un satellite nello spazio. In un taglio, colma il divario tra l'uomo primitivo e l'uomo futuro, sottintendendo che poco è cambiato tranne l'ambientazione
Passaggio 4. Usa l'angolazione di una telecamera per indicare le relazioni e i sentimenti dei personaggi
L'angolazione della tua ripresa dice al pubblico come si sentono riguardo ai personaggi o alle scene. Puoi usare questo fatto in infiniti modi e dovresti sempre chiederti in che modo l'angolazione della tua fotocamera aiuta o ostacola il punto dello scatto. Per esempio:
- Guardare dall'alto un personaggio lo fa sembrare debole, impaurito o impotente. Alzare lo sguardo fa sembrare qualcuno potente, sicuro di sé e dominante.
- Angoli estremi come scatti molto alti, molto bassi o titolati mostrano confusione, paura o un'esperienza fuori dal comune come un viaggio di droga.
Passaggio 5. Prova a scrivere la scena in prosa se stai lottando per iniziare
Sedersi e iniziare la scena, facendo scelte difficili come l'angolazione della telecamera e la composizione, è difficile se non sei ancora sicuro della direzione in cui vuoi prendere le cose. Un buon passo intermedio è scrivere la scena come un racconto. Quali parti emergono come importanti, quali dettagli risaltano mentre scrivi e quali sono le azioni chiave in ogni scatto? È quindi possibile modificare questo mini-script come un'esercitazione prima di disegnare.
Attenersi a solo 1-2 descrizioni per ogni scatto o scena. Non stai scrivendo un romanzo, stai scrivendo una guida
Passaggio 6. Studiare la cinematografia
Gli storyboard sono, in sostanza, riprese di pratica di un film. Pertanto, l'obiettivo è utilizzare le schede per impostare luci, telecamere e set reali per imitare lo scatto che hai disegnato. Immergersi profondamente nei tipi di inquadratura, nella composizione dei colori, negli angoli di ripresa e altro ancora aumenterà notevolmente il tuo kit di strumenti come creatore di storyboard.
Disegnare uno storyboard è economico, ma le riprese no. Se lavori su un film più grande, devi conoscere la difficoltà approssimativa delle inquadrature per sapere se sono fattibili. Le riprese dall'alto possono sembrare fantastiche e adattarsi al film, ma le riprese in elicottero sono molto costose
Metodo 3 di 3: Storyboard come un professionista
Passaggio 1. Impara la terminologia degli angoli di ripresa comuni
Non affidarti semplicemente al disegno per esprimere il tuo punto di vista: il mondo del cinema è pieno di vocaboli che rendono il tuo lavoro più semplice e gli storyboard più precisi. Annotare le angolazioni della telecamera aiuta le troupe di ripresa a vedere rapidamente per quali riprese devono prepararsi e ti consente di vedere se stai diventando accidentalmente ripetitivo con la tua scelta di inquadrature.
-
Scatti che stabiliscono:
Scatti rapidi che illustrano il set, la posizione o la posizione iniziale dei personaggi.
-
Completo, Medio, Vicino, Molto vicino:
Se stai mostrando un personaggio, quanto stai mostrando? Full (FS) mostra tutto il corpo, Medium (MS) mostra la vita in su, Close (CU) mostra le spalle e la testa e le scarpe Extreme Close Up (ECU) solo il viso.
-
Inquadratura in alto / Inquadratura in basso:
Up Shots guarda in alto un personaggio, mentre Down Shots guarda dall'alto in basso. "Worm's Eye" e "Bird's Eye" sono le versioni estreme di ciascuno.
-
Sopra la spalla (OTS):
Uno dei tuoi termini più importanti, questi scatti hanno una persona o una cosa sul lato dell'inquadratura, voltata di spalle, mentre ne guarda un'altra. Molto comune nelle conversazioni tra due persone.
-
Due colpi:
Quando entrambi i personaggi, che di solito si parlano tra loro, sono entrambi nella cornice contemporaneamente. Quando si disegnano i dialoghi, spesso si alternano due inquadrature con inquadrature OTS.
- Scatti POV Sono semplicemente quando la telecamera imita il punto di vista di un personaggio.
Passaggio 2. Familiarizzare con i movimenti della telecamera per illustrare le inquadrature in movimento o mutevoli
Il seguente elenco non è affatto esaustivo, ma è un buon primer per scrivere storyboard coerenti. Ogni volta che vuoi aggiungerne uno, scrivi il movimento effettivo della telecamera sullo storyboard.
- Monitoraggio è quando la telecamera segue l'azione senza tagliare, come seguire qualcuno mentre cammina per strada. Usa le frecce per indicare il movimento e più fotogrammi se necessario.
- padelle sono quando la telecamera ruota semplicemente in una direzione, spesso seguendo un personaggio mentre si muove o esponendo qualcosa vicino a loro. Disegna una freccia che illustri la direzione della telecamera.
- camion sono quando la telecamera si muove fisicamente dentro o fuori. Immagina un'inquadratura di una TV, poi la telecamera lentamente "camion" indietro per rivelare una famiglia che guarda la TV in soggiorno. Usa 4 linee, che puntano dal centro dello schermo verso gli angoli, per mostrare l'autotrasporto.
- Messa a fuoco del rack è quando hai un oggetto sfocato sullo sfondo e uno chiaro in primo piano, quindi la messa a fuoco si sposta da uno all'altro (può anche andare al contrario). Traccia una linea che indica dove inizia e dove si sposta lo stato attivo.
Passaggio 3. Prendere appunti appropriati sulle transizioni tra gli scatti
I seguenti tagli sono tra i più comuni nel film e devono essere annotati nello storyboard. Ognuno richiede un piccolo disegno accanto alle parole, che rappresenti visivamente la transizione. Inizia con un piccolo rettangolo, che rappresenta lo schermo, subito prima del dialogo, quindi riempi questo rettangolo con la tua transizione:
-
Dissolvenza in entrata/in uscita:
Questo è semplicemente quando l'immagine appare o scompare lentamente da uno schermo vuoto. Per una dissolvenza in entrata, disegna un triangolo che punta a sinistra. Per una dissolvenza in uscita, disegna un triangolo che punta a destra.
-
Dissolvenza incrociata:
Quando un'immagine viene lentamente sbiadita nella successiva. Per disegnarlo, crea due triangoli intersecanti nella scatola, partendo da tutti e quattro gli angoli. È la dissolvenza in dissolvenza in disegni sovrapposti l'uno all'altro.
-
Pulire:
Quando un'immagine si sposta fisicamente sullo schermo, rivelando lo scatto successivo sotto di essa. Disegna semplicemente una linea verticale al centro del rettangolo e una freccia che la attraversa per indicare in che direzione si sta muovendo la prima immagine.
Passaggio 4. Ricorda le istruzioni di blocco di base per aiutare a impostare la scena e gli attori
I seguenti termini si riferiscono alla posizione di un oggetto nell'inquadratura. Può anche aiutare a dirigere il movimento, ad esempio se un personaggio cammina dal retro dell'inquadratura alla parte anteriore, che potrebbe essere espresso come "BG → FG".
-
Primo piano (FG):
L'area vicino alla telecamera.
-
Medio (MG):
Il centro del telaio
-
Sfondo (BG):
Sono i più lontani dalla fotocamera.
-
Fuori schermo (O/S):
Utile se c'è un rumore, un dialogo, ecc. che gli spettatori non possono vedere, o se un personaggio entra o esce completamente dall'inquadratura.
-
Sovrapposizione (OL):
Quando un oggetto o un'immagine è sovrapposto a un altro ma entrambi sono visibili.
Passaggio 5. Etichetta correttamente i tuoi scatti in modo che il resto della troupe possa leggerli
In generale, una "scena" su uno storyboard si riferisce in realtà a un movimento ininterrotto della telecamera, non a un evento completo. Queste scene vengono sommate per formare una "sequenza", che è l'intera azione, conversazione, che stai rappresentando (quella che normalmente chiami una "scena").
- Ogni volta che la telecamera taglia, è necessario modificare il numero della scena per indicare un nuovo scatto.
-
Se una singola scena richiede più azioni, tutte senza cambiare la telecamera, sono etichettate come pannelli.
Se uno scatto richiede tre storyboard, etichetti ogni pannello come 1/3, 2/3 e 3/3.
Passaggio 6. Se sei confuso, punta alla chiarezza, non a simboli o vocaboli perfetti
L'obiettivo finale di uno storyboard è raccontare visivamente il film, non superare un test di vocabolario. Mentre dovresti sempre sforzarti di imparare la terminologia, vuoi che gli storyboard siano facilmente letti da registi, cineasti e il resto della troupe. Se hai un'idea ma non sai come esprimerla, usa le tue abilità di disegno per trasmettere il punto nel modo più semplice possibile. Frecce, note e pannelli multipli dovrebbero essere usati per condividere le tue idee creative quando le parole non bastano.
- Immagina uno scatto lungo e singolare, come l'inizio di Raging Bull. Anche se non c'è taglio, non potresti mai contenere quell'inquadratura in un solo pannello. Avresti bisogno di mettere insieme molti pannelli con frecce, note e dialoghi per pianificare il tiro.
- Gli elenchi di vocaboli sopra sono tutt'altro che completi: ci sono centinaia di parole, scatti e spunti usati da uno storyboarder professionista. Per essere un professionista, dovresti continuare a ricercare termini professionali.
Video - Utilizzando questo servizio, alcune informazioni potrebbero essere condivise con YouTube
Suggerimenti
- Se aiuta, puoi piegare un pezzo di carta in 6 quadrati, per inquadrare facilmente le tue scene o scaricare un modello di storyboard gratuito da Internet.
- Il software di storyboard ha spesso un database per aiutare a tenere traccia di informazioni sulla sceneggiatura, oggetti di scena, posizioni, indicazioni della telecamera, ecc.
- Tieni a mente il tuo pubblico mentre fai lo storyboard. Pensa a ciò che vogliono vedere, non a ciò che vuoi disegnare.
- Non è necessario disegnare perfettamente ogni fotogramma: uno schizzo approssimativo va benissimo.
